EL REALISMO MUSICAL EN LAS ÓPERAS DE VERDI – EJEMPLOS
La carrera de compositor de Giuseppe Verdi dura nada menos que cincuenta y cuatro años. Su primera ópera, Oberto, Conde de San Bonifacio se estrenó en 1839 y la última, Falstaff en 1893. En los años en los que Verdi estrenaba su primera ópera, Donizetti hacía lo mismo con algunas de las suyas más famosas. Pero con Verdi ya se dejará atrás el belcanto de Donizetti o Bellini. Verdi ya apunta a otra dirección.
La carrera de Verdi se dirige, ópera tras ópera, a mostrar claramente los sentimientos. No tan sólo para crear bellas partituras sino también para emocionar e impactar más al público. Verdi buscará el realismo cada vez más. Por eso hoy vamos a esbozar en lo que consiste el realismo musical en las óperas de Verdi.
El realismo musical en las óperas de Verdi
Trataremos de explicar con ejemplos en que consiste el realismo musical en las óperas de Verdi.
En ellas, la música describe la situación que se explica en la acción. Esto lo veíamos recientemente en el artículo dedicado al aria de la ópera Don Carlo, Ella giammai m’amò, pero ahora vamos a ver otro ejemplo.
Aria Eri tu de Un ballo in maschera
Este es otro ejemplo clarísimo del realismo musical en las óperas de Verdi. Es el aria de Renato, personaje de Un ballo in maschera. En ella veremos dos temas musicales muy diferenciados que relatan perfectamente los sentimientos reales del personaje.
Oigamos el aria. La interpreta el barítono Juan Jesús Rodríguez. A Coruña 2017. Dirige Ramón Tebar.
Cuando empieza el aria con las palabras Eri tu (Eras tu), su discurso va dirigido al personaje de Riccardo. Lo que manifiesta Renato es odio. Renato cree que Riccardo ha traicionado su amistad con una relación con su mujer. Verdi hace una potente introducción orquestal. El canto ha de ser impetuoso y doliente. Sin embargo, cuando recuerda el amor de su mujer, la orquesta desaparece para dejar el arpa y la flauta. Esta orquestación dulcifica y retrata el amor que siente al pensar en ella. Es como un momento de ensoñación que termina con las palabras È finita. Entonces vuelve a la realidad y se debe percibir esa amargura. termina con un lamento doliente (O dolcezze perdute) y de nuevo el arpa y la flauta son protagonistas. Todos estos sentimientos no se pueden cantar del mismo modo para que resilten creíbles.
El realismo musical en las óperas de Verdi con las voces
Verdi da a cada personaje la voz que le corresponde según su carácter. Recordemos algo que ya hemos dicho. Cuando se iba a estrenar Macbeth, Verdi pedía que la soprano que debía cantar el rol de lady Macbeth, no tuviera una voz angelical. Más bien quería que que no fuera bonita. El personaje es malvado, y su voz lo tiene que expresar.
Así pues, Verdi clasifica las voces según el personaje que interpretan.
Tenor
La tesitura de tenor será para los hombres jóvenes, los guerreros o héroes. Si hacemos un repaso rápido a sus óperas veremos que esta norma se cumple siempre y además, suelen ser los personajes buenos.
Vamos a ver a Roberto Alagna como Alfredo en la scena del acto II de La traviata, Lunge da lei… Dei miei bollenti spiriti… O mio rimorso. Teatro alla Scala 1992. Dirige Riccardo Muti.
Soprano verdiana
Este calificativo de verdiana ya sabemos que significa. Verdi quiere esas voces potentes, que deben hacer frente a una gran orquestación, para mujeres con carácter. Vamos a ver un ejemplo con el personaje de Elena de I vespri siciliani. La soprano es Cheryl Studer. Dirige Riccardo Muti. El aria es Coraggio, su, coraggio. Veremos como en esa aria, que es una arenga para que los sicilianos luchen, la soprano tiene que superar no sólo a la orquesta sino también al coro en algunos momentos.
Soprano ligera
Esta tesitura la reserva verdi para las mujeres jóvenes o inocentes. El personaje más representativo de esta categoría es Gilda de Rigoletto. Veremos inmediatamente como una soprano ligera no hubiera encajado en el personaje del video anterior. Una muestra más del realismo en las óperas de Verdi. También podremos ver como el volúmen de la orquesta se reduce respecto al caso anterior.
Vamos a ver a Diana Damrau como Gilda en el aria Gualtier Maldè… Caro nome. Dresde 2008.
Bajos
La tesitura de bajo está reservada para figuras de autoridad, como pueden ser sacerdotes o algunos padres. Una de las máximas figuras de autoridad en las óperas de Verdi es la del Gran Inquisidor de la ópera Don Carlo. Vamos a ver el momento en que tiene su gran intervención. Alexander Anisimov es el Gran Inquisidor. Filippo II es Samuel Ramey. Teatro alla Scala 1992. Dirige Riccardo Muti.
Mezzosoprano
Esta tesitura femenina se reserva para personajes de mujeres intrigantes, brujas o gitanas. Vamos a ver al personaje de Azucena de Il trovatore en el aria Stride la vampa. La mezzosoprano es Anita Rachvelishvili. Dirección de escena:Sir David McVicar. Director: Marco Armiliato. Metropolitan Opera House 2017–18.
Barítono
La tesitura de barítono será para algunos personajes con un rango de autoridad, algunos padres y personajes ambiguos. Bromeando un poco podríamos decir que el barítono suele ser el rival del tenor, aunque no siempre es así, naturalmente. Uno de los personajes ambiguos, poco claros y problemáticos es Macbeth. Veremos el aria final Pietà, rispetto, amore, que es todo lo que Macbeth sabe que no va a tener. Piero Cappuccilli es Macbeth. Teatro alla Scala 1979. Dirige Claudio Abbado.
Si repasamos las óperas de Verdi veremos como a medida que su carrera avanza cada vez más se esfuerza por impregnarlas de mayor realismo.
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